“La canción de Salomón”, de Toni Morrison. Artículo de Carmen Conde Gaute

 

La canción de Salomón (1977), de Toni Morrison, nos aproxima hasta los barrios negros de Michigan, donde se hace latente un odio racial entre blancos y negros que es llevado siempre hasta las últimas consecuencias. En este ambiente hostil, desarrolla su vida junto a los demás la familia de Macon Muerto, un hombre orgulloso de haberse hecho a sí mismo y de haber sobrevivido a las más duras condiciones. Es el patriarca de toda una estirpe que gira en torno a él, hombre detestado en cierta manera por los suyos, y en torno a su hermana Pilatos, mujer misteriosa y respetada.

Es Lechero, el hijo de Macon Muerto, el ojo a través de quien el lector conoce los acontecimientos que convulsionan al Estado y también a la familia: negros mueren a manos de blancos y viceversa. En cuanto al primero, su padre y su tía no se hablan desde que son casi unos niños, en cuanto al segundo, este último hecho, que puede no parecer tan trascendente en principio, esconde detrás de sí la verdad de varias generaciones de la familia Muerto, que se irá descubriendo poco a poco a medida que, bien de manera fortuita, bien de manera buscada, irá averiguando Lechero.

El protagonista se embarcará en un viaje que le desvelará sus orígenes, conociendo a personas y territorios que antes otros miembros de su familia habían conocido, y desnudando otros nuevos nunca vistos por ellos, así como enfrentándose a peligros como el de la propia muerte, al que en realidad estuvo enfrentado desde antes de nacer, pero del que siempre pudo librarse impunemente.

Así, quizás podamos decir que estamos ante una novela de aprendizaje, dado que podemos observar la evolución del protagonista a medida que va conociendo su propio pasado. Pero podemos apreciar también cómo pasa de ser un niño solitario a tener un amigo siempre fiel (Guitarra, que acabará fallándole por motivos económicos: oro con el que creía que podría saciar su sed de sangre de blancos. Lo intentará matar), cómo con doce años cree enamorarse de una mujer (su prima Agar, con quien pasará varios años antes de cansarse y dejarla), cómo se aproxima a la prohibida Pilatos para no poder separarse nunca más de ella, cómo comienza a trabajar eficientemente junto a su padre (aunque a ratos llegue la reflexión cada vez más firme de que no es eso lo que quiere, sino escapar de todo lo que le rodea), cómo le aburren los temas políticos, pero desde luego le aborrecen las injusticias de matar a blancos para “equilibrar” las muertes de negros.

Lechero es la culminación de una estirpe rodeada de misterio, que arrojará luz sobre la familia Muerto y sobre su vida misma. Una vez hecho esto, alzará el vuelo como ansiaba hacer de pequeño.

Tenemos dos temas fundamentales, aunque es necesario decir que uno le sirve como telón de fondo al otro. El tema principal de la novela de Morrison es el descubrimiento de los orígenes de una estirpe que se han ido empañando por una serie de causas que le son ajenas al protagonista, pero que se afana en averiguar.

El tema secundario y latente a lo largo de toda la obra es el de la guerra racial. El fiel reflejo de esta guerra es la creación de una asociación de negros denominada Los Siete Días y que por cada asesinato de un negro a manos de un blanco, se ocupa de asesinar a un blanco inocente y escogido al azar. Este tema secundario hace que toda la trama principal se vea siempre envuelta en tensión, porque no sólo esta alianza entre siete personas de color es muestra del odio que hay entre razas. En ocasiones el racismo es la causa, el motor que impulsa a alguno de los personajes principales a hacer algo que terminará por ser absolutamente trascendente en un futuro (como el asesinato de un blanco en la cueva en que se refugiaron Macon y Pilatos, que fue causa de disputa entre los dos y que los separaría luego para siempre).

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Centrémonos ahora en uno de los rasgos más característicos de toda la obra: el realismo mágico. Antes de comenzar, es necesario dar una indicación por leve o sutil que sea acerca de las bases sobre las que se asienta. El realismo mágico es un movimiento literario que refleja con cierta fidelidad los pensamientos y acciones humanas, pero que aporta un matiz fundamental de elemento mítico. Éste último es relatado habitualmente con el verismo de un hecho posible, pero siempre sorprendente y que, de forma general, es relativo a la cultura de un pueblo o bien está íntimamente relacionado con una serie de creencias unidas a la familia. Y he ahí otro rasgo del realismo mágico: generaciones y generaciones están siempre en la base de las historias que se cuentan conforme a este movimiento literario.

La última de estas condiciones, como no podía ser de otra manera, tampoco falta en esta obra de la autora estadounidense. De hecho, al final de la obra nos encontramos con que hemos pasado desde Lechero hasta su bisabuelo poco a poco por todas las generaciones de la estirpe examinándolas detenidamente en un retroceso temporal a través de testimonios acuosos.

El elemento mítico en el realismo mágico es aportado principalmente por creencias populares o bien familiares que son reflejadas por el narrador con naturalidad porque se toman como propias, aunque es justo decir que en La canción de Salomón se deja libertad al lector para que se lo crea o no.

Uno de esos elementos míticos a destacar es la presencia de espíritus. Los pasajes en que se mencionan son varios a lo largo de la novela, pero podríamos destacar unos cuantos.

El primero de ellos, que se repetirá de diversos modos a lo largo de la obra, es el que alude a las apariciones de Macon Muerto I después de haber sido asesinado ante sus hijos a manos de unos blancos mientras custodiaba su finca con un fusil. Si bien la primera vez que se apareció lo hizo ante sus dos hijos, lo cierto es que después siempre lo hizo a Pilatos, quien consideraba que le daba consejos que muchas veces guiaron las acciones de su vida. De este modo, Pilatos interpretó que debería ir a buscar el cuerpo del hombre que había matado su hermano y llevarlo siempre con ella, cuando en realidad, lo que le pedía era que no huyese dejando atrás sus restos. Así que a lo largo de su existencia, Pilatos fue cargando siempre con los huesos de quien, sin ella saberlo, era su padre. Por alguna razón eran los únicos restos que quedaban en la cueva cuando regresó. Otro consejo mal interpretado llevó a Pilatos a ser una mujer que cantase siempre, sobre todo en las situaciones difíciles. De hecho no se trataba de un consejo, sino del nombre de su esposa, que al parecer repetía en casi cada aparición: Cantar.

Esto es narrado con naturalidad y cuando la narración es puesta en labios de Pilatos el interlocutor tiende a creerla, pero desde luego siempre a respetarla.

Otro momento en que se habla de los espíritus se da en una charla entre Freddie, el empleado de Macon Muerto II, y Lechero. Aquí nos encontramos con un poco más de incredulidad por parte de quien escucha, que es Lechero. Ante la cuestión de Freddie de si cree en los espíritus, no muestra una respuesta clara y es entonces cuando éste le cuenta la historia de su nacimiento: mientras su madre caminaba por la calle vio aproximarse a otra mujer que, al llegar a su altura, se convirtió de repente en un toro blanco. Ante tal visión se le provocó el parto y allí, desasistida, falleció. Si bien Lechero no quería dar crédito a esta historia, la verdad es que se llenó de inquietud. No sólo cabía la posibilidad de la existencia de espíritus, sino que además podían matar.

Muy relacionados con el tema de los espíritus están algunos misterios relacionados con algunas personas, que no se pueden explicar de forma natural y que, por lo mismo, infunden mucho respeto a los demás.

Un caso claro nos lo encontramos con Pilatos: carecía de ombligo. Ello hacía que quien lo supiese la alejase de sí como si se tratase de un objeto de mal agüero. Era una especie de superstición. Así, a lo largo de su vida Pilatos fue expulsada de todos los grupos a los que fue perteneciendo, dada esta carencia que todos juzgaban tan importante. De poco valía que se tratase de una mujer hermosa, trabajadora, inteligente o buena. No tenía ombligo y todos le temían por ello. Es un elemento curioso que, sin duda, no iremos a encontrar en ninguna novela de estas características. Envuelve en una aureola de misterio a este personaje y nos lo pinta diferente a todos los demás.

Algo parecido ocurre con el personaje que abre la novela: el señor Smith y sus ansias de volar. Decide llevar a cabo su objetivo fabricándose unas alas que no lo llevarán a otra parte más que al suelo directamente. Pero este personaje no sólo figura como alguien distinto al resto, sino que enlaza con los hallazgos que hará Lechero acerca de su familia y de cómo su bisabuelo salió volando sin necesidad de alas. Él mismo sentía esas ganas de volar cuando era un niño.

También nos encontramos con la leyenda de los sollozos de Ryna, la bisabuela de Lechero que, loca de amor, llora en el fondo del barranco. El personaje de Ryna enlaza directamente con Agar, que enloquece de amor por Lechero. Tras unos años de amor caprichoso, él decide abandonarla y, enfurecida por el sufrimiento que le provoca la ruptura, decide salir a matarle cada mes del año. Pero quien acaba muriendo es ella. Muere de amor. Aunque tal vez esto no sea un elemento tan mítico y sí pueda ser a todas luces creíble, parece importante señalar que enloquecen de amor la primera y la última mujer de la estirpe: Ryna y Agar.

Un elemento que no hemos mencionado antes y que, además, se encuentra en la base de los preceptos del realismo mágico es el de la sensualidad, el erotismo. En muchas ocasiones este elemento viene muy ligado al familiar, de tal modo que se describen relaciones entre parientes o bien ciertas perversidades que también podemos localizar en la novela de Toni Morrison.

Por un lado, encontramos una que marca una acritud irremediable entre Macon Muerto II y su esposa Ruth. Existe una relación paterno-filial que se aproxima, no sólo a ojos del esposo sino en cierto modo también a ojos de padre e hija, a una relación hombre-mujer. El doctor tiene siempre una extraña insistencia en asistir a su hija en los partos. La hija lo besa indecorosamente en los labios y con cara de absoluto embelesamiento con la excusa de darle las buenas noches incluso cuando ya es demasiado mayor para hacer eso. En la agonía del doctor ella se resiste a que muera y en el mismo lecho de muerte besa semidesnuda y llena de pasión las manos sin pudrir del cadáver. Aún después de haber muerto su padre, Ruth va a pasar alguna noche al cementerio para dormir con él. Ante esta actitud se despierta la ira de su esposo y, en vida de su padre, él mismo estaba desconcertado. Cuando Lechero descubre todo esto siente repugnancia y rechazo. Pero aún hay más.

Su nombre es Macon Muerto, pero su sobrenombre es Lechero. El recuerdo lo conduce de nuevo hasta su madre y más concretamente hasta su infancia. Privada por su esposo de sexo desde los veinte años, Ruth se refugiaba en un placer oculto y que juzgaba perverso. Pese a ser demasiado mayor para ser amamantado, Macon Muerto III continuaba alimentándose, aunque innecesariamente ya, de la leche que chupaba del pecho materno. Aquella succión delicada proporcionaba a Ruth un goce secreto que de ningún otro modo podía disfrutar. Un día fue descubierta por Freddie y se sintió mortalmente avergonzada. Desde entonces, al niño todo el mundo le llamó Lechero.

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Además de esto, nos encontramos con la relación entre Lechero y Agar, que son primos. Relación amorosa y sexual que mantienen durante años Y que termina con la suficiente pasión como para, tras haber intentado asesinarlo, ella muera de amor por él, como antes comentamos.

Parece importante señalar o hacer alguna referencia a la onomástica y al peso que ésta tiene en la obra. Está, en primer lugar, Salomón o Shalimar, de quien todos dicen ser descendientes en el pueblo que lleva su nombre y acerca de quien cantan los niños en sus juegos infantiles.

Está, en segundo lugar, Macon Muerto, que en realidad se llamaba Jake, pero al inscribirse como liberto un funcionario borracho rellenó mal las casillas y, dado su analfabetismo, fue incapaz de distinguir que le habían cambiado el nombre. Un nombre que duró tres generaciones.

A continuación está Pilatos. Su padre buscó un nombre al azar en la Biblia sin saber leer y basándose únicamente en la belleza o no de las formas. Como ése le gustó, copió las letras para inscribirla en el registro. Cuando le dijeron que era nombre de varón y que además era feo porque era quien había matado a Jesucristo, él se reafirmó diciendo que ella había matado a su esposa. Pilatos llevaría su nombre colgando de la oreja en una caja de latón toda su vida.

Corintios y Magdalena, hijas de Macon Muerto II, llevan sus nombres elegidos de este modo: eligiendo al azar en la Biblia. Al igual que Reba, la hija de Pilatos, apócope de Rebeca. Lechero, víctima de una anécdota que lo rebautizó. Guitarra, su amigo, también.

Esta autora estadounidense es autora de otras obras de gran valor tales como The bluest eye, Sula, La isla de los caballeros y Beloved. Aproximarse a ella es acercarse a uno de los exponentes de mayor importancia de la literatura afroamericana actual. Así que tengan como referencia a Toni Morrison. No les defraudará.

Carmen Conde Gaute

(Hay una edición de 2004 de la Editorial DeBolsillo).

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“El polvo y el oro”, del escritor cubano Julio Travieso Serrano. Reseña de Carmen Conde Gaute

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Esta obra cubana, publicada en 1993, supone el seguimiento de las distintas generaciones que componen una familia existente en la realidad (desde los tiempos coloniales de la esclavitud hasta la revolución castrista).

El autor se valió de archivos históricos para documentarse y ofrecer al lector, envuelta en los pequeños detalles y caracteres que se desarrollan en una familia, la óptica de todo un fragmento histórico que convulsiona a Cuba y que, en sus distintas fases, figura como contexto y al mismo tiempo como personaje.

Se nos enseñan seis generaciones de una familia fundada por un español lleno de ambiciones. Podemos apreciar, pues, que Cuba es la isla de los contrastes. Por un lado, la magia, la sensualidad y el goce de los sentidos hasta clímax hipnóticos. Pero, por otro, la violencia, el dolor y la historia ensangrentada. El eros y el tanathos combinados en una novela de forma perfecta, lenta y excitante, como dos amantes que hacen el amor desenfrenadamente aun sabiendo que eso les va a llevar a la muerte.

El lector observa a través de esta familia tanto la historia que aparece en los libros de texto como la historia que late en el corazón de Cuba y que apenas ningún historiador se detiene a contar. Es por ello que la santería tiene un papel tan trascendental. La magia y todo aquello que habita en el límite entre la realidad y la ficción.

Deberíamos hablar quizás de realismo mágico si pretendemos atribuirle un género a esta obra maestra del escritor cubano. Es la cultura sin límites entre lo real y lo imaginado elevada a un exponente todavía más alto de lo habitual, ya que la santería en Cuba llega a potencias insospechadas para un lector occidental al uso.

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Julio Travieso Serrano nació en 1940 en La Habana. Se licenció en Derecho en la Universidad Lomonosov de Moscú y se doctoró en el Instituto de América Latina de la Academia de Ciencias en la URSS. Trabajó como profesor y también como periodista en Cuba y México.

Esta obra del éxtasis histórico, personal y mágico fue galardonada en numerosas ocasiones. Por ejemplo, con el Premio Mazatlán de Literatura en 1993, el Premio Nacional de la Crítica Literaria Cubana, cuatro años más tarde, y fue finalista del premio Rómulo Gallegos en 1995.

Carmen Conde Gaute

(Galaxia Gutenberg-Círculo de lectores editó este libro en España en el año 2002) .

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Perdidos en el laberinto, primera parte de la reseña de El alma está en el cerebro, de Eduardo Punset

Leer, escribir, ver, reír, amar, andar en bicicleta, tener miedo, pensar, crear, sufrir, escuchar, bailar… ¿Qué tienen en común? Que todas estas acciones y sentimientos tienen su razón de ser en el “alma”, o lo que es lo mismo: en el cerebro.

 

A lo largo de los siete capítulos que componen esta parte de la obra, Punset nos va descubriendo lentamente y apoyado sobre las bases de la ciencia, el funcionamiento de un mecanismo que trabaja casi perfectamente y que no solemos tener presente a la hora de llevar a cabo nada de lo enumerado arriba.El primero de los capítulos reitera la afirmación del título: “El alma está en el cerebro”. ¿Qué se nos pretende decir? Nada más y nada menos que algo tan vertiginoso como que no existe una separación posible entre cuerpo y mente, que no hay espíritu: todo, absolutamente todo (incluida la conciencia) se encuentra en el cerebro.

Punset nos lleva de la mano en un recorrido a lo largo de la historia y de las distintas percepciones de esta realidad. Antes no se tenía en cuenta el cerebro, si no más bien el corazón e, incluso, en otras épocas, el hígado. Las creencias del ser humano han ido cambiando, pero en la edad moderna el hombre ha descubierto que todo gira en torno a ese miembro que se oculta en la oscuridad de nuestra cabeza. Gracias, por supuesto, al avance tecnológico y a la curiosidad investigadora del hombre.Se nos planteará, además, a partir del segundo capítulo, la diferencia entre consciente e inconsciente y también la materia vaporosa del muro que separa ambas realidades. ¿Dónde terminan las decisiones conscientes y dónde comienzan las inconscientes? Lo cierto es que si este libro de Punset pretende revelarnos grandes descubrimientos y avances, también logra sembrar inquietud, dado que muchas preguntas quedan huérfanas de respuesta.

También nos desvela a lo largo de toda esta primera parte la personalidad de grandes médicos, neurólogos, químicos y todo un elenco de hombres y mujeres que han contribuido al conocimiento de nuestro cerebro de forma absolutamente genial. Un claro ejemplo de ello es el caso del doctor Oliver Sacks, a quien dedica todo un capítulo que no puede dejar indiferente a nadie. Este hombre fue testigo y salvador de casos terroríficos y, llevado por las ganas de acercarse más a la verdad, se convirtió en una de las claves médicas del siglo XX.

Si hasta el momento se nos habían planteado cuestiones que nos aportaban desasosiego, no se reduce a menos el capítulo IV, en que se nos explica cómo se está llevando a cabo la creación de una máquina que se adapte al entorno tal y como nuestro cerebro lo hace. Esto produce cierta sensación de intranquilidad, puesto que parece inevitable preguntarse: “¿superará la inteligencia artificial a la inteligencia humana?”.

Los demás capítulos resultan también inquietantes por reveladores y provocan que el lector se cuestione a sí mismo, examine su forma de pensar, el mundo que le rodea y las influencias que este mundo tiene sobre su pensamiento.

La lectura de esta obra es sobrecogedora, dada su contradicción interna: mientras nos pone al tanto de los avances de los siglos XX y XXI, que nos dejan más tranquilos por quedar más informados, también pone sobre la mesa cuestiones fundamentales a las que todavía no se les ha encontrado explicación. Y eso nos hace sentir desamparados, en cierto modo.

Lo que, por supuesto, hay que agradecerle a Eduardo Punset es el hecho de que nos aproxime conocimientos tan complejos de un modo tan sencillo. Con ejemplos fáciles de entender para los lectores y con interpelaciones directas a éstos, que hacen la obra más cercana. Además, aporta los testimonios de un gran número de investigadores médicos, que convierten esta obra en un trabajo plural.

Sí, es cierto, quedan muchas preguntas en el aire, pero de lo que no queda ninguna duda es que Punset es uno de los mejores divulgadores de los últimos tiempos.

Carmen Conde Gaute

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Presentación de los libros El bulevar del miedo, de Juana Salabert y Todo lleva su tiempo, de Blanca Riestra

El próximo 8 de marzo se presentarán a las 19.30 horas en el Café Hispano de Madrid (Paseo de la Castellana, 78) El bulevar del miedo, de la parisina Juana Salabert y Todo lleva su tiempo, de la gallega Blanca Riestra.

 

Juana Salabert es licenciada en Filología Francesa y autora de varias obras en español, como Arde lo que será (por la cual quedó finalista del Premio Nadal en 1996), La bruja marioneta o Hijas de la ira: vidas rotas por la Guerra Civil, su última publicación hasta la fecha. Fue galardonada en 2001 con el Premio Biblioteca Breve de la editorial Seix Barral.

 

Blanca Riestra es licenciada en Filología Hispánica. Su primera novela, Anatal y dos más, surge en los años universitarios. Es autora de otros títulos, como La canción de las cerezas, que recibió el Premio Ateneo Joven. En 2005 ganó el Premio de Novela Tigre Juan con El sueño de Borges.

 

Ambas son ganadora y finalista respectivamente del VIII Premio Unicaja de Novela “Fernando Quiñones”. El fallo se conoció el pasado mes de septiembre y ha llegado el momento de que presenten juntas su obra.

 

Os invito a que asistáis porque no sólo prometen, sino que además han cumplido con creces la promesa.

Carmen Conde Gaute

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Sobre cómo ser un político prestigioso o Las páginas de plomo, por Carmen Conde Gaute

Ayer mismo se publicaba en Yahoo! Noticias un artículo que pone de manifiesto que aquéllos que deben cuidar y poner a buen recaudo nuestra sociedad son, precisamente, los seres más narcisistas que hayamos podido encontrar. No os alarméis. Nadie redactó un artículo haciendo esta afirmación tan tajante: eso es lo que estoy haciendo yo.

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¿Y cómo se ejecuta semejante sesión de egocentrismo? Muy sencillo de explicar, porque todos siguen exactamente el mismo método: escriben un libro. Et voilà! Garantizado el prestigio.

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El artículo hacía especial hincapié en el hecho de que se trata de obras aburridas, soporíferas y panfletarias. Esto (digo yo) puede venir dado por dos factores básicos: por un lado, que el “negro” que se hayan buscado para redactar las magistrales memorias (que luego los políticos firman con su nombre) en realidad no sea muy buen escritor y, por otro, que empapen tanto con su ideología la obra que han escrito que dé lo mismo leerse eso o el programa de su partido.

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Aunque el autor del artículo sólo hacía referencia al caso americano (con ejemplos como It Takes a Village, de Hillary Clinton o Earth in the Balance, An Inconvenient Truth y The Assault on Reason, todos ellos presuntamente escritos por Al Gore) a mí se me ocurre que en esto los políticos tienen un pensamiento único y es algo así como un impulso universal. Se me viene a la mente la publicación de este tipo que creo más reciente en España: la de Esperanza Aguirre (La Presidenta, escrito por Virginia Drake. La Esfera de los Libros S.A.)

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El pionero en esta cuestión fue el ganador del premio Pulizter por Profiles in Courage, John F. Kennedy. Se ve que a él se lo escribieron bien. Pero… una de dos: o el resto de políticos no encontró tan buenos autores o es que carecen de creatividad. No importa cuál opción de las dos sea. Ambas son tristes.

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Mi afirmación del principio viene dada porque ellos, que nos quieren hacer creer todo el tiempo que su principal preocupación es el bienestar de la sociedad (o sea, proporcionarle comodidad al prójimo), deciden que deben escribir sus memorias para difundir sus pensamientos y sus recuerdos, así aumentar el número de votos para su partido y conseguir por fin su puesto como líderes. Traduciendo: yomimeconmigoporseryo.

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En fin, ha surgido un nuevo género literario… supongo que encima, al final, tendremos que quedar agradecidos.

Carmen Conde Gaute

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Presentación del epistolario de Vicente Aleixandre a Jaime Siles en el Ateneo de Madrid

El jueves día 22 de febrero a las 20 horas se presentará en el Ateneo de Madrid (calle del Prado, 21) una compilación de las cartas escritas por Vicente Aleixandre a Jaime Siles.

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Se trata de uno de esos acontecimientos que nos pueden llevar a descubrir muchos aspectos personales de figuras tan importantes de la poesía española.

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En este evento se contará con la presencia de Fernando Centeno (presidente del Centro Cultural de la Generación del 27), Elena Diego (vicepresidenta de la Fundación Gerardo Diego e hija de este poeta santanderino), Irma Emiliozzi (doctora en Filología Hispánica y profesora en Letras, encargada de la edición) y Javier Lostalé (poeta y periodista de RNE- Radio 3, numerosas veces galardonado por su labor de difusión de la poesía). 

En este acto, encabezado por Alejandro Sanz, escritor y presidente de la Sección de Literatura del Ateneo; estará presente Jaime Siles, doctor en Filología Clásica por la Universidad de Salamanca y actualmente, catedrático de Filología Latina de la Universidad de Valencia.

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Vicente Aleixandre nació en Sevilla en 1898 y pasó su infancia en Málaga. Dibujó para nosotros la silueta de una poesía marcada por la presencia del mar, de la naturaleza y del conocimiento logrado a través de la pasión. Será el poeta del cosmos en su etapa surrealista y pasará más tarde a hablarnos de la figura del hombre histórico desde una perspectiva realista. Recibió varios premios, como el Premio Nacional de Literatura (1934) o el Premio Nobel de Literatura (1977). Fue miembro de la Real Academia Española.

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Jaime Siles es un poeta nacido en Valencia en 1951 que bien pudo haber formado parte del grupo de los Novísimos. Su poesía tiene claros elementos pertenecientes a la cultura grecolatina. En su primera obra se aprecia barroquismo fundido con surrealismo. Cada vez sus libros nos mostrarán una poesía más conceptual y abstracta. Fue galardonado con varios premios, como el Premio de la Crítica (1983) y el Premio Loewe (1989), entre otros.

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He aquí la muestra de dos personalidades inquietas que enriquecen el panorama literario español, que pese a pertenecer a dos generaciones diferentes se entendieron y se regalaron un pedazo de sí mismos el uno al otro. Ahora es nuestro momento para disfrutar ese regalo que ellos dos se hicieron. No podéis faltar a esta cita.

Carmen Conde Gaute

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Lucie en el bosque con estas cosas de ahí, de Peter Handke, reseña por Carmen Conde Gaute

Con esta novela el autor austriaco nos acerca el mini- mundo que rodea a una niña de diez años en una buildings roman (novela de crecimiento).

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El ojo a través del que conocemos la historia de Lucie y de sus padres es el ojo de un narrador que nos cuenta la historia de una forma sencilla, que se vale de la familiaridad del lenguaje y de los sentimientos contados con total naturalidad. Precisamente con el lenguaje nos transmite sensiblemente las circunstancias vitales de personajes incomunicados: el padre de Lucie es el claro exponente en el que nos hemos de centrar en este aspecto.

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El autor hace descender la cámara hasta el punto de vista de la niña para que así el lector comprenda la realidad tal y como Lucie la comprende. Hablamos de novela de crecimiento porque la niña pasa de concebir la vida de un modo infantil y superficial a un modo maduro que dota de importancia a las pequeñas cosas: “esas cosas de ahí”.

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Desde el principio podemos observar la admiración que Lucie siente por su madre, agente de policía, mientras que por su padre siente una especie de rechazo. Para ella no tiene sentido la vida que su padre lleva. Es jardinero y al principio de la novela ella no puede hacer otra apreciación más allá de que es maloliente, callado y tembloroso. A medida que avanzamos en nuestra lectura, apreciamos el cambio que se va produciendo muy poco a poco en la niña. Un cambio que, gota a gota, constituirá una profunda transformación.

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Empezará a comprender a su padre, empezará a querer compartir cada vez más tiempo con él y empezará a involucrarse completamente en su modo de vivir la vida. De este modo, Lucie y esas pequeñas cosas que ahora los mantienen unidos serán cruciales a la hora de salvar a su padre, a quien el rey le arrebata precipitadamente en un arresto.

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Dentro de la literatura contemporánea escrita en alemán Peter Handke (1942) supone un icono. Lo caracteriza un estilo magistral a la hora de transmitir la soledad, la angustia y la agonía que produce en el ser humano y también lo caracteriza la forma paradójica de hacernos llegar a través de las palabras la sensación de incomunicación.

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Apreciaréis la sensibilidad con que este autor trata temas de tanta trascendencia si finalmente os decidís por su lectura. Tiene una asombrosa capacidad para conmover al lector. Quizá por ello llegue tan bien al público. Porque de un modo o de otro todos nos hemos sentido solos o con dificultades para comunicar lo que llevamos dentro en alguna ocasión.

Carmen Conde Gaute

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El Arrancacorazones, de Boris Vian por Carmen Conde Gaute

Este libro francés, que vio la luz en 1962, es una de las joyas más preciadas por los amantes del absurdo, de la lucidez y del análisis crítico y preclaro de la sociedad.

Su autor (ingeniero, inventor, cantante, trompetista, locutor, escenógrafo y traductor) nos ofrece una visión del mundo localizada en dos puntos: por un lado, el dominio de las madres sobre sus hijos a lo largo de toda su existencia y, por el otro, el debate psicológico que nuestra mente se encuentra a determinada edad entre lo infantil, lo familiar y lo social. A todo este cóctel cabe añadir un ingrediente que da cierto sabor de inquietud: la sátira del mundo que nos rodea y la burla que se hace del psicoanálisis (tan de moda cuando la obra fue concebida).

Pero todo lo hasta ahora mencionado no tendría especial interés si no lo contemplamos a través del absurdo con que se nos ofrece. Un humor ácido, corrosivo e irracional envuelve toda la obra. Cada letra, cada página, hasta envolvernos a nosotros mismos.

Boris Vian domina este elemento- dinamita a la perfección y logra con este efecto hacernos conscientes de lo verdaderamente absurdos que somos en nuestras formas y nuestras costumbres.

Llevando al extremo situaciones cotidianas o bien reinventando otras de la misma índole, nos desconcierta al principio para que luego, a medida que avanzamos en la lectura, vayamos comprendiendo lo ilógico de todo aquello que nosotros encontramos diariamente natural. Para ello utiliza los hechos y las palabras de los personajes, que son la vía a través de la cual llegamos a esa conclusión.

Este libro fue un fracaso en su momento, quizás porque no se podía comprender el alcance de la crítica social que contenía o tal vez porque su humor no es captable por todos los públicos. Hoy en día, tomándolo de nuevo, no cabe duda de que es una obra en que el autor ha dejado la huella de una personalidad inquieta y célebre, a la que si no prestamos atención estaremos dejando pasar una oportunidad increíble de vernos a nosotros mismos reflejados en un espejo que da más detalles de nuestro comportamiento de los que podemos observar a primera vista.
Espero que os decidáis por su lectura. Os enriquecerá o, como mínimo, no dejará que os quedéis indiferentes.

Carmen Conde Gaute

Asociación EVOHE (Universidad de Lugo)

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Vacas Flacas, artículo sobre el feeling de una escritora novel, por Carmen Conde Gaute

Todo esto es un poco complicado. Ahora resulta que me siento patosa escribiendo. De verdad que me apetece escribir algo que merezca la pena. Cuanto más leo, de hecho, más me apetece. Pero no puedo. Me aconsejan los “entendidos” que no escriba nada en mucho tiempo, que es tiempo de silencio, pero a lo mejor es por eso que precisamente tengo más ganas que nunca de hacer algo brillante. Porque debo aprovechar el tiempo, y en todo caso eso es lo que siento.

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Últimamente me obligo un poco más a conservar lo que escribo pase lo que pase. Si la gente reacciona bien, lo conservaré contenta. Que no, pues lo conservaré igualmente. Aunque cada vez que lo vea ante mí sienta cierta amargura. Porque todo hay que decirlo, para ser una simple aficionada, me tomo esto con bastante tremendismo. A quién voy a engañar. Para mí esto es muy importante. Todos tenemos nuestras ambiciones, supongo. La mía está en la escritura. Y me da rabia no ser capaz de alcanzar mis metas. Es como un fracaso. Tampoco vayamos a pensar que no tengo coco para darme cuenta de mis defectos. Lo que ocurre es que los elevo al cubo. Y eso es irremediable. No hay nadie más inconsolable que yo cuando se habla de mis relatos. Estoy en período de vacas flacas. Me molesta, porque ganas no me faltan y llegados a este punto es cuando me planteo ¿será entonces que no tengo talento? Esa pregunta para mí es muchísimo más trascendente que ese tópico tan poco reflexionado y sin embargo tantas veces mencionado de “¿quiénes somos?”. Tal vez porque en mi caso la respuesta a la segunda pregunta no resida en otra parte más que en la respuesta a la primera. Tengo talento ergo sé quién soy. Si la verdadera respuesta es que no lo tengo entonces qué es lo que estoy haciendo.

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Lo mejor de todo es que los mismos que dicen que debo hacer una pausa son los mismos que afirman que sí que tengo talento. No por ello se contradicen, pero sí me contrarían. Y mucho. Incluso me producen revolución intestinal. “Por supuesto que tienes talento, pero debes encontrarte a ti misma, pulir tu estilo, ya sabes no te encasilles, pero qué haces, ¿acaso estás empleando un lenguaje coloquial en tus escritos? ¡Desechados! Ajústate al canon. ¿Se trata de una historia autobiográfica? ¿Y eso a quién le importa? Sólo quienes han alcanzado una cima en la literatura pueden permitirse esas licencias, y tú querida, no la has alcanzado. Debes transmitir sensaciones universales. Mira, lo mejor es que de momento no escribas nada y que te aclares. No veo tu estilo definido…”

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         Y entonces es cuando pienso: “cállate y me estarás haciendo un favor”. O más bien, ya que mencionamos el lenguaje coloquial, lo que pienso es “vete a la mierda”. Por supuesto, se me vienen a la cabeza muchos más pensamientos como por ejemplo Henry Miller (que es arte) o como por ejemplo Marcel Duchamp (que es arte también). El primero por hacer gran literatura precisamente con un lenguaje vulgar a ratos y el segundo por convertir en obra de arte algo tan cotidiano e infravalorado como un water. Por supuesto añadiré que Miller escribía obras autobiográficas. Pero para todos estos pensamientos mi crítico tiene una respuesta “¿A quién le importa Henry Miller?” A su respuesta yo tengo otra: si alguna vez te quitases el corsé del canon descubrirías a grandes autores. Añado: no todos los buenos autores de la literatura universal han de estar muertos (aunque Miller lo esté).

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Obviamente yo no tengo la calidad del americano, pero sí que hay algo que de un tiempo a esta parte no se me puede reprochar: la afirmación de un estilo. Me he propuesto no escribir sino aquello que defina mi identidad. Se trata de hacer lo que realmente me apetezca. ¿Desde cuándo he de someterme a unas normas? Entonces la literatura jamás se regeneraría. No surgiría la novedad. Entonces qué más da quién escriba, si no nos va a aportar su visión personal. Simplemente veremos de forma incansable las mismas estructuras y los mismos contenidos repetidos en cada autor (dado que la escritura es algo absolutamente automático). Por lo visto en nada influyen las vivencias personales, las circunstancias o el carácter de cada autor. No. La literatura es un arte retrógrado entonces. Entonces no es que yo esté en período de vacas flacas, es que tengo que memorizar la normativa literaria e informarme de si ha salido alguna reforma recientemente.

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Pero dejémonos de tonterías. La literatura no es retrógrada. Sólo lo son las mentes de algunos críticos que asumen como una verdad indiscutible todo aquello que esté incluido en el canon, aunque eso contradiga sus gustos clásicos con nombres como Cortázar, Camus o Joyce. Aquí nos encontramos un problema. Estos autores son canónicos, sin embargo caracterizan su literatura con aquello que a mí se me critica. Ya entiendo, “es que ellos han alcanzado esa cima”. Pues no. Que entiendan los críticos. Lo que ocurre es que no tienen criterio propio y para ellos pasa a ser bueno lo que Mr. Canon les dicta. Permitidme la licencia de entristecerme por esta carencia de personalidad. Yo, por el contrario, trato de reflejar la mía en mis escritos, aunque no les interese (no dejo de pensar que a un lector medio quizá sí). A mí, como lectora, me interesa, desde luego, la aportación personal e íntima que un autor pueda hacerme con su obra. Luego ya me fijaré (si me acuerdo) en las metáforas y todo eso.

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Los académicos se llevarían las manos a la cabeza si catasen este texto. Nada más y nada menos que me atrevo a insinuar que hay vida más allá del canon. Pero casi todos se atienen torpemente al programa como si no existiese más que eso. Creo que en términos filosóficos se les podría llamar positivistas. “Sólo existe lo que conozco”. Ante esta forma estúpida de concebir la literatura a los alumnos no nos queda otro remedio que dividirnos en dos grupos para el resto de nuestra vida: los ignorantes de la “otra” realidad, por un lado, y los que deciden arreglárselas por su cuenta para conocer lo que se sale del “catecismo del profesor”, por otro.

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Aunque es lamentable, el segundo grupo está en serio peligro de extinción. Nadie se preocupa por conocer más de lo que le es facilitado y (si se me permite) es muy posible que la mayoría de los profesores (que a su vez fueron alumnos de otros profesores y que, mayoritariamente, pasaron a formar parte del primer grupo) ni siquiera tenga las capacidades para aportar conocimientos a sus alumnos acerca de literatura no canónica.

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Posiblemente me he desviado excesivamente del tema inicial, pero sin saber cómo he dado con la clave de aquello que tenía ganas de decir desde hace mucho tiempo. Quién sabe, a lo mejor es cuestión de dejar hablar al subconsciente. En todo caso, espero que se me disculpe la digresión.

Carmen Conde Gaute

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Ingmar Bergman despierta a Don Juan: El ojo del diablo, por Carmen Conde Gaute

Es cierto que muchas veces sentimos cierta pereza a la hora de aproximarnos a obras cuyos personajes han sido convertidos por la literatura en mitos. Tal vez porque han sido utilizados en incontables ocasiones y los tenemos demasiado asimilados. Supongo que, a fin de cuentas, siempre buscamos que se nos sorprenda. Pero lo realmente extraordinario es conseguir que de mitos manidos surjan obras maestras. Rehaciéndolos, captando nuevos matices y entregándolos al espectador que, de repente, se encuentra a sí mismo disfrutando y conmoviéndose con algo de lo que tiene consciencia desde siempre.

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El director de cine sueco Ingmar Bergman consiguió hacer esto mismo con el mito de Don Juan en los años 60. Valiéndose de distintas artes (cine, teatro y literatura) logra tejer una compleja red en la que el espectador queda atrapado por pura fascinación. Bajo el título de Djävulens Öga (El ojo del diablo) Bergman reconvierte el mito que nació de la pluma de Tirso de Molina, que fue elevado al mayor de los éxitos con Zorrilla y que luego han ido versionando autores como Torrente Ballester o Moliére (por poner ejemplos alejados en el espacio y en el tiempo).

Caracterizan a esta comedia la teatralidad evidente, la figura del narrador que nos recuerda al tradicional cuentacuentos (aunque quizás renovado también) y, por supuesto, los rasgos inherentes al cine.

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Bergman sitúa en esta ocasión a Don Juan en el Infierno. Es decir, nos da a conocer las postrimerías del gran mito. Mientras en la literatura universal veíamos a un personaje siempre debatido entre el elemento teológico y el erótico, que por sus excesos siempre era advertido de su condena eterna, ahora vemos cómo realmente se cumple esa condena. Todas (o casi todas) las obras literarias que abordan a este gran mito sevillano terminan con el descenso a los Infiernos de Don Juan. Todos (o casi todos) los autores lo han tratado con increíble trascendencia, sin embargo, Bergman se permite hacerlo en clave de humor. En una comedia. Parodia e incluso ridiculiza a este personaje nacido en el siglo XVII y hacia quien tanto respeto han tenido todos los autores. Surgen nuevos personajes, que hasta ahora en las obras conocidas acerca de Don Juan no figuraban, del mismo modo que otros invariables (como Doña Elvira) aparecen caricaturizados.

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Es decir, Bergman logra a través del teatro, el cine y la narración devolvernos el mito “corregido y ampliado”. Sólo un verdadero artista sabría captar así la esencia de un personaje tan abordado pero tan poco conocido en profundidad en muchas ocasiones.

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Os invito a conocer esta propuesta fílmica del director sueco que, sin duda, promoverá las ganas de leer las obras en que figura Don Juan. Os garantizo que apreciaréis otras dimensiones de un personaje que ha calado tan hondo que incluso se ha colado en las expresiones populares: ¿o es que no conocéis a ningún donjuan?

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NOTA del editor:

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Este artículo es un resumen de un trabajo mucho más denso, laborioso y perfeccionado realizado con esmero por Carmen Conde. Lo insertaremos en el Blog Escritores, en este post, a lo largo de la madrugada de hoy en formato PDF Acrobat, para su descarga y libre difusión o republicación siempre y cuando se haga citando la autoría del mismo y que ha sido publicado originalmente y en exclusiva aquí, en vuestro Blog Escritores.

Carmen Conde Gaute

Presidente de EVOHE (Universidad de Lugo)

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